El tiro y arrastre (en valenciano «tir i arrossegament») es un deporte autóctono de la Comunidad Valenciana que consiste en la carrera de un caballo cargado con un carro lleno de sacos de arena. El maltrato del animal esta totalmente prohibido.
Tiro y arrastre. 2015. V.Almodóvar
Para entender el inicio de este deporte tenemos que remontarnos sobre los 1940 aproximadamente, cuando el caballo era fundamental en las labores cotidianas de los trabajos agrícolas, su uso era imprescindible para trabajar los campos y transportar cargas pesadas, sobre todo en el transporte de las naranjas a los almacenes.
Tiro y arrastre. 2015. V.Almodóvar
Es muy probable que se iniciara en exhibiciones de ganado de las ferias agrícolas para demostrar la fuerza y valía de los caballos percherones, que son los mas utilizados para estas labores. A partir de ahí estas exhibiciones se transformaron en el deporte que conocemos hoy en día como tiro y arrastre. Mas tarde serian los propios labradores los que presumirían de sus animales y se valdrían de ellos para gestionar apuestas y desafíos sobre que caballos eran los mas fuertes.
Tiro y arrastre. 2015 . V.Almodóvar.
La competiciones se desarrollan sobre una pista de arena de 50 ó 60 m de longitud por 3 de ancho. La prueba consiste en recorrer la pista en el menor tiempo posible, teniendo en cuenta que durante el trayecto deben marcarse tres paradas obligatorias convenientemente señalizadas.
Tiro y arrastre. 2015. V.Almodóvar
Hay que destacar que una de las reglas dice que está terminantemente prohibido maltratar al caballo, penalizando al competidor si lo hace.
Los caballos que se utilizan para ello, tiene más de 3 años y son en su mayoría grandes y fuertes y solo se emplean para estas competiciones, su entrenamiento prácticamente es diario. Aunque debido a su alto coste de mantenimiento, cada vez hay menos. En en los últimos años la práctica de este deporte ha retrocedido.
Las imágenes aquí expuestas tienen derechos de autor. (en caso de estar interesado en alguna, contactar conmigo)
Sin lugar a dudas, con W. Eugene Smith nace el reportaje fotográfico. Su actividad durante mas de 30 años, desde la época de los años 40 hasta entrados los 70, hacen de este fotógrafo un referente para contarnos la realidad a través de la fotografía.
Sus trabajos para diferentes publicaciones constituyen verdaderos ensayos fotográficos. Esto consiste en contar una historia que no podemos hacer con una sola imagen, y necesitamos una serie de ellas para reflejar un tema, pueden servir entre 10 o 15, aunque no hay un termino fijo.
W. Eugene Smith
William Eugene Smith, fue un reportero fotográfico estadounidense, nació en Wichita, Kansas en 1918 y falleció en Tucson Arizona, en 1978.
A los 15 años comenzaría su carrera fotográfica para los diarios Eagle y El Faro, ambos de su localidad natal, mientras todavía cursaba estudios de secundaria. Hasta tal punto llegó su
precocidad que antes cumplir los 16 publicaría su primera imagen en el New York Times. Consiguió una beca para estudiar fotografía en la Universidad de Notre Dame, Indiana, pero abandona tras apenas un año y se muda Nueva York donde trabaja para la revista Newsweek. Salió de Newsweek por negarse a usar cámaras de formato medio, uniéndose a la revista Life en 1939. Pronto dimitió de su puesto en la revista Life .
Guerra del pacifico 1942
En 1942 se hace corresponsal de guerra. Sus fotografías se centran especialmente en la campaña del Pacífico durante la 2 Guerra Mundial y los sangrientos bombardeos habidos isla tras isla.En heridas de las que tarda dos años
en recuperarse. Después de esto abandonaría la fotografía debido a una depresión. Mas tarde, y debido a una imagen de sus hijos desde el jardín de su casa decidió volver y continuar su labor en Life perfeccionando el ensayo fotográfico.
A Walk To The Paradise Garden
El ensayo fotográfico.
Sin duda la mayor aportación de Eugene a la historia fue su monumental obra en torno al ensayo fotográfico, un modo de coleccionar imágenes en íntima conexión con un relato plagado de vivencias y emociones.
Entre sus ensayos más conocidos destacan:
«Country Doctor»: publicado por Life en 1948, reconocido como el primer “fotoensayo”de la edad moderna de periodismo gráfico. El protagonista es un médico de cabecera rural, el Dr. Ernest Ceriania, que trabaja en la pequeña localidad Kremmling, Colorado.
«Man of Mercy»: publicado en Life en 1954 . El Dr. Schweitzer realizó una encomiable labor humanitaria en la parte francesa ecuatorial de África. Smith retrata las cualidades y facetas más íntimas del hombre a pesar de las desavenencias iniciales.
«As from My window» : un retrato de la ciudad de Nueva York tal como él la ve desde su posición fija de la ventana de su apartamento.
«Pittsburg»: un trabajo monumental de 4 años. Probablemente uno de los más complejos, dilatados y profundos abarcado nunca por un único fotógrafo. En el desarrolló la idea de relacionar las imágenes y texto como un todo.
‘Spanish Village’ (1950) ensayo fotográfico del pueblo extremeño de Deleitosa, en España, realizando 1575 fotografías y un informe de 24 páginas para el reportaje. Se tiraron 22 millones de ejemplares entre el original y las reediciones. Smith no se limitó a realizar una serie de fotografías sobre el pueblo y sus habitantes, realizó un trabajo de investigación social.
Deleitosa 1950
El trabajo de Smith sobre Deleitosa, nos hace reflexionar, sobre la evolución que el mundo ha sufrido en España. En sus imágenes de hace cincuenta años observamos una forma de vivir y de trabajar mas propia de la edad media.
Murió en 1978 debido al abuso de drogas y alcohol. Actualmente, la fundación William Eugene Smith promueve la «fotografía humanista», que desde 1980 premia a los fotógrafos comprometidos en este campo.
Mi aporte personal
La Hermandad del Santísimo Cristo del Calvario de L’Alcora, que data del año 1976, fue la fundadora de la Rompida de la Hora, además de ser la encargada de realizar el evento, año tras año.
La Rompida de la Hora se ha constituido como el acto más atrayente de la Semana Santa de L’Alcora. Quizás sea porque es un acto especial, único y pionero en toda la Comunitat Valenciana, y es indudablemente el sonido del tambor el que lleva consigo un cierto misticismo que atrae mágicamente incluso hasta a los más escépticos. Cientos de visitantes acuden a la localidad para presenciar el acto, respetando el dolor con un silencio respetuoso y aterrador, únicamente roto por el sonido del tambor y el bombo.
El Viernes Santo a las 12.00 horas del mediodía los tamborileros, tanto alcorinos como de toda la provincia de Castellón (Benicarló, Betxí, Borriol, Benicasim, Castellón de la Plana, La Vilavella, Nules, Altura, Sant Mateu, Cervera del Maestre, La Vall d’Uixó, Segorbe, Moncofa, Vila-real, Vinaròs, Onda i Alcalà de Xivert) y otros de toda la geografía española, se unen en una misma plegaria. En ese justo momento, cada año una personalidad distinta del mundo político, social, cultural o deportivo es invitada para iniciar la Rompida, es decir, el primer golpe seco de bombo, que da paso a los miles de tambores y bombos que irrumpen el mediodía del Viernes Santo rasgando el cielo alcorino, escenificando el sufrimiento y dolor de Cristo en el Monte Santo. Cada año esta peculiar manera de rezar y sentir la Semana Santa tiene más adeptos: más de 1.000 tambores y bombos suenan en unión el Viernes Santo alcorino.
Rompida de la hora (Alcora-Castellón)Rompida de la hora (Alcora-Castellón)
Es sin duda uno de los fotógrafos mas conocidos de la historia, y no solo por sus maravillosas fotografías de los paisajes de EEUU, si no también por ser el creador del sistema de zonas en la fotografía.
Ansel Adams
Un sistema que incluso hoy en día con las cámaras digitales se sigue utilizando.
Ansel Easton Adams (20 de febrero de 1902 – 22 de abril de 1984) fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco, desarrollador del sistema de zonas.
Si duda alguna Adams es conocido por sus fotografías en blanco y negro de los paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros ),alli llegó en un viaje familiar cuando contaba con 14 años y este viaje le cambió la vida, aportándole una nueva mirada de las cosas.
Parque nacional Yosemite en Estados Unidos
Sus padres le regalaron una cámara para la ocasión, una Kodak Box Brownie que le permitió no sólo tomar contacto con la fotografía sino con la propia naturaleza, cosa que le fascinó. Ademas es autor de numerosos libros sobre fotografía, como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia).
En 1930 tuvo contactos con el reconocido fotógrafo Paul Strand y este le convenció para dedicarse profesionalmente a la fotografía. Ansel Adams conoció también a Edward Weston, con quien entabló una gran amistad. Juntos, Adams, Strand, Cunningham y Weston formaron un grupo llamado «f/64» en 1932. Éste grupo promovió y evolucionó hacia la“straight photography” o «fotografia directa».
Flower Falcon`s view- Ansel Adams
Realizó grandes series de fotografías de numerosos parques, sobresaliendo, las ya conocidas, las de Yosemite National Park y Sierra Nevada. Adams fue destacando cada vez más por su energía y entusiasmo. Visitó por primera vez Nueva York en 1933 y conoció a Alfred Stieglitz, un fotógrafo al que siempre había admirado. Stieglitz le ayudó a hacer su primera exposición. Al mismo tiempo realizó esta labor con procesos estrictamente comerciales encargados por las compañías de la época con vistas a calendarios, felicitaciones de Navidad y moda u otros, lo que le permitió vivir de la fotografia, ya que un principio no le publicaban las fotos de paisajes. Esto no le gustaba, pero le permitía seguir dedicándose de forma más libre a su pasión: fotografía de la naturaleza. Sus imágenes empezaron a volverse símbolos de Angloamérica
En su afán por investigar el proceso para la correcta exposición, le llevo hasta el sistema de zonas, un método de medición y revelado que se utilizaba para dividir la graduación de luz de una escena en 11 zonas diferentes, del blanco al negro. Esto le permitía visualizar los diferentes niveles de gris en la fotografía final con gran precisión, ya que el fotometro de la cámara mide el gris neutro de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición.
Fotógrafo, escritor, profesor, conferenciante y conservacionista. Su capacidad de trabajo era asombrosa. A menudo trabajaba hasta dieciocho horas diarias, sin domingos, vacaciones o descansos. Destacó como miembro activo y llegó a ser Presidente del prestigioso Sierra Club. Sin embargo, no por ello estuvo libre de críticas. Bresson diría:
“El mundo se cae a trozos y todo lo que Adams y Weston fotografían son piedras y árboles”
Pese a opiniones como ésa, recibió en 1981 el Premio internacional de la fundación Hasselblad.
Algunos dicen que Adams fotografió lugares que ya no existen, pero para otros ocurre justamente todo lo contrario; algunos lugares siguen existiendo gracias a Adams y su entusiasmo y esfuerzo por salvar estos lugares, a través de sus fotografías.
Ansel Adams murió el 22 de abril de 1984, por un fallo cardíaco.
Mi aporte personal
Ansel Adam dijo:
«La fotografía del paisaje es la prueba suprema del fotógrafo, y a menudo la suprema decepción .»
Y desde luego la gran mayoría de las veces es así. Cuando llegamos a un sitio y observamos su belleza y magnificencia, somos incapaces de reflejarlo claramente en las imágenes que tomamos. La cámara no es capaz de captar la belleza que nuestros ojos ven. Aunque cada vez y con las nuevas técnicas digitales nos vamos acercando un poquito mas.
Los callejones
Los Callejones de Las Majadas son un entorno natural en Las Majadas, Cuenca (España), en el que la erosión de las rocas calizas cretácicas produjo formas curiosas como pasajes, arcos, monolitos o puentes, configurando un paisaje similar al de la Ciudad Encantada, aunque de menores dimensiones y superficie que ésta. En términos geológicos, los callejones constituyen un ejemplo de formación kárstica conocida comolapiaz, el cual se originó por la acción del agua, el hielo, el viento y las variaciones de temperatura.
Este paraje, que es visitado por miles de personas cada año, se encuentra en el término municipal de la localidad de Las Majadas, en la provincia española de Cuenca, a unos 3 kilómetros de distancia de ese pueblo, y es uno de sus lugares naturales de mayor interés junto con los Miradores de las Majadas, muy próximos a Los Callejones, el parque cinegético experimental de El Hosquillo y la Fuente de la Tía Perra.
Los callejones(Las Majadas, Cuenca) V.Almodóvar 2014Los Callejones (Las Majadas-Cuenca)
Con Paul Strand podemos decir que empieza la fotografía directa y documental, sin tapujos, sin florituras, sin condicionantes. Se fue alejando del pictorialismo para fotografiar gente sin tener en cuenta su condición, con un gran respeto al individuo y su vida.
Paul Strand
Paul Strand (Nueva York, 16 de octubre de 1890 – Orgeval, Francia, 31 de marzo de 1976), de familia inmigrante de Bohemia, (República Checa), fue uno de los precursores de la «fotografía directa» o «fotografía pura».
A los 12 años tiene su primera cámara, una “Kodad Brownie”
Dos años más tarde asistiría a la Escuela Superior de Etica, y gracias a Lewis Hine, que en aquel momento estaba realizando fotografías de los inmigrantes que llegaban a Ellis Island, y que lo puso en contacto con el grupo Photosecesion, conoció a Alfred Stieglitz, que fue un gran valedor de su trabajo.
Muchacho francés- Paul Strand
En 1911 recorrerá Europa. Durante seis semanas viajó de país en país, España, Algeria, Mónaco, Italia, Suiza, Francia, Holanda e Inglaterra, visitando los mayores museos y monumentos, y caminando largas distancias. En Europa fotografió paisajes de manera pictorialista y con buenas composiciones, estableciéndose como fotógrafo comercial a su regreso a NewYork.
Strand empezó haciendo retratos y viajando por el país haciendo fotos de colegios y fraternidades, fotografías que luego vendía a los estudiantes. Así fue haciéndose con su estilo personal. En esa época el estilo fotográfico era que las imágenes pareciesen pinturas, fotografías con luz difusa y ligeramente desenfocadas. Pero Strand comenzó a hacer lo que se llamaría fotografía directa, esto es imágenes sin manipulaciones o efectos de ningún tipo.
Mujer ciega-Paul Strand
En Nueva York quería fotografiar la dureza de la ciudad, según él tuvo la idea de retratar la gente tal y como se la ve en los parques de Nueva York, sentada por ahí, sin posar, sin siquiera saber que están siendo fotografiados: quería captar la vida diaria de la gente común. Para ello cogió las lentes de la vieja cámara de su tío y las puso en su Ensign Reflex en un lado, así estas falsas lentes apuntaban hacia una dirección y con las verdaderas apuntaba lo que realmente quería fotografiar, sin que la gente supiese que estaba siendo fotografiada. Muchos de sus primeros retratos fueron realizados de este modo.
De vuelta a EEUU comenzó a producir documentales sociales y junto a Berennice Abbot formó la Photo League en Nueva York con el propósito de crear una prensa radical con fotografías de las actividades de los sindicatos de trabajadores y de las protestas políticas. Strand busca la gente llana, evade aglomeraciones y ciudades. Fotografía a las gentes en sus casas con «Luz natural» sin trucos ni efectos, y de manera natural, sin decirles como situarse. Dice Strand:
“Me gusta fotografiar a gente con fuerza y dignidad en sus caras, por mucho que la vida los haya maltratado, no se derrumban.”
En 1955 Strand se compra una casa en Orgeval cerca de París, allí instala un cuarto oscuro y sigue trabajando hasta su muerte en 1976.
Mi aporte personal.
Paul Strand dijo una vez:
«La cámara no puede eludir los objetos que se sitúan frente a ella. Cuando el fotógrafo selecciona la escena, la luz y los objetos deben ser su fiel reflejo. Si incluye una franja de hierba, debe distinguirse como un objeto diferenciado y como tal ha de ser retratado.»
La ciudad nos ofrece un espacio único donde observar aquello que nos rodea. Un niño, un anciano, gente que va y viene. Solo hay que saber mirar y esperar el momento oportuno para disfrutar de la realidad que nos envuelve.
Con estas palabras definía Alfred Stieglitz a su amigo y colega. Pero no solo fue un todo terreno de la fotografía llegando a tocar diferentes disciplinas, sino que ademas se hizo inmensamente rico, siendo uno de los fotógrafos mas famosos y reconocidos de la época.
Edward Steichen nace en Luxemburgo en 1879 y falleció el 25 de marzo de 1973 en Nueva York . Siendo muy niño emigró a Estados Unidos donde pasó el resto de su vida. Con 15 años comenzó a trabajar con la Compañía de Arte Americano de Milwaukee dedicándose a la realización de litografías. Allí aprendió dibujo y pintura y tuvo sus primeros contactos con la fotografía en una tienda cercana. Su primera cámara fue una de las llamadas «cámaras detectivescas» de Kodak. Con sus amigos funda la Milwaukee Art Students League. Su interés por la pintura decayó a favor de la fotografía que pronto le brindó satisfacciones. En 1896 participó en su primera exposición en el Salón de Filadelfia. En 1902 de camino a París, se detiene en New York donde conoce a Stieglitz. este le compra varias fotografías y le encarga el diseño del logotipo de su revista «Camera work». Juntos terminarían montando la famosa galería «291». La etapa parisina de Steichen le permite conocer a Rodin, Cézanne y destacados pintores franceses del momento, al tiempo que permite establecer un puente entre Europa y América a través del propio Stieglitz.
Fue de los primeros en experimentar con la técnica a color de los hermanos Lumiere y también en utilizar la fotografía como instrumento al servicio de la moda.
Fotografía bélica.
Fotografia 2ª guerra mundial
Durante la segunda guerra mundial dirigió la sección de fotografía de la US-Marine. Nombrado Teniente Comandante en Jefe de la Unidad de Naval fotográfica de la Armada, se embarcó en un periodo en el que produjo una colección de singulares fotografías de guerra. Esta etapa le obliga a reflexionar sobre su propia obra y la evolución de la fotografía, iniciando un nuevo aprendizaje que le lleva a practicar sin descanso con la iluminación, las formas y un estilo más directo.
Fotografía de moda.
Marlene Dietrich 1934
El mundo de la moda y las revistas de sociedad sufrirían una profunda transformación de su iconografía fotográfica de la mano del genial Steichen. Sus experimentos con la luz artificial se tradujeron en geniales retratos, fotografías publicitarias y portadas asombrosas. Llegaría a ser el fotógrafo más famoso y mejor pagado de su época. Políticos, actores, deportistas, escritores; todos querían ser inmortalizados por su cámara. Desfilaron ante su lente personajes como: Gary Cooper, Katherine Hepburn, Joan Crawford, Greta Garbo, Douglas Fairbanks, Gloria Swanson, Charles Chaplin, Marta Graham y George Gershwin entre muchos otros.
Entre 1923 y 1939 trabaja para Vanity Fair y Vogue.
Su aportación más importante a la fotografía es la exposición The Family of Man que realizó para el MoMA. Director de la sección de fotografía del MoMa hasta 1962
Steichen falleció el 25 de marzo de 1973 en West Redding, Connecticut.
Mi aporte personal.
Edward Steichen dijo una vez:
“ Sabía, por supuesto, que los árboles y las plantas tienen raíces, tallos, cortezas, ramas y follaje que crecen hacia arriba, hacia la luz.
Sin embargo, me di cuenta que la auténtica magia, era la luz en sí misma. ”
Hay veces en que nos toca ver las raíces, para darnos cuenta del paso de la propia vida y si la luz es algo mágico, también lo es la fotografía que nos ilumina esa escena.
Uno de los pioneros en la fotografía de paisajes fue sin duda alguna Ansel Adams, pero si alguien pudo describir y relatar la vida y aspecto de un pais, este fue claramente Juan Rulfo, escritor y fotógrafo mexicano.
Juan Nepomuceno Carlos Pérez Rulfo Vizcaíno (de nombre artístico Juan Rulfo)( Jalisco, 16 de mayo de 1917 – Ciudad de México, 7 de enero de 1986) fue un escritor, guionista y fotógrafo mexicano, perteneciente a la generación del 52.
Paisaje de la vega de Metztitlán
Toda la producción fotográfica de Juan Rulfo pasa entre 1940 y 1958. Tenia una sensibilidad innata que aplicó en su gusto por las artes. Aunque sus fotografías las realizó durante los mismos años en que abarcaba su producción escrita, los dos trabajos se consideran completamente independientes, pero no por ello aislados, pues muchas de sus imágenes bien pudieron ser los escenarios de sus escritos.
Cada fotógrafo de paisajes intenta enseñar la geografía que le rodea y Juan Rulfo nos mostró los lugares a los que visitaba cuando viajaba con su automóvil en su trabajo diario como comercial de Goodrich Euzkadi, de esos kilómetros recorridos registraría la arquitectura, el paisaje y su gente. La cámara de Rulfo daba cuenta del panorama de un México inquietante, de contrastes y de su historia en blanco y negro.
El legado fotográfico de Rulfo comprende un archivo de más de seis mil negativos. Sus fotografías demuestran un conocimiento importante del medio fotográfico,ademas de que el autor tenía una visión fotográfica personal y acorde con las tendencias de su época. Las fotografías de Juan Rulso, muestran una mirada nacionalista y local, resaltando las características básicas de un país y dentro del mismo, mostrando la esencia de un pueblo.
Si hay alguien que se empeño realmente en elevar la fotografía a la categoría de arte, este fue sin duda alguna Alfred Stieglitz. El fue el que creó la primera galería de exposición permanente de fotografía, ademas incluyendo poco a poco pintura y escultura, para ir atrayendo a la gente a esa nueva forma de arte, que llenaría las paredes del 291 de la quinta avenida de Nueva York.
Alfred Steagliz
Alfred Stieglitz (1 de enero de 1864 – 13 de julio de 1946) fotógrafo estadounidense, de origen judío-alemán. Durante mucho tiempo luchó por hacer de la fotografía una forma de arte al nivel de la pintura y la escultura. Fue el primero que empezó explorando dentro del campo de la fotografía capacidades propias de la pintura (composición, texturas) para después recurrir a elementos propiamente fotográficos.
Su amor la fotografía le hizo crear en 1905 la galería de arte 291, llamada así por el numero de calle que tenia el local. Esta local era del propio Stiegliz. Y en ella se realizaron las exposiciones más importantes del movimiento fotográfico denominado Photo-Secession. Estuvo en funcionamiento hasta 1917.
Se considera la primera galería de arte que permitió proporcionar la consideración de arte a la fotografía y es la primera que se abrió en Estados Unidos. Expusieron artistas de vanguardia como Henri Matisse, Auguste Rodin, Henri Rousseau, Paul Cézanne, Pablo Picasso,Constantin Brancusi, Francis Picabia y Marcel Duchamp y entre los fotógrafos se encuentran Edward Steichen, Alvin Langdon Coburn,Gertrude Kasebier y Clarence H. White.
Alfred_Stieglitz_Winter_Fifth_Avenue_1892
Al mismo tiempo prácticamente, se formó la revista Camera Work. Esta era de carácter trimestral y estaba editada y publicada por Alfred Stieglitz desde 1902 a 1917 en Estados Unidos, comúnmente asociada como publicación del grupo fotográfico Photo-secession.
Camera Work fue una publicación de excepcional calidad para su época, tanto a nivel de contenidos sobre fotografía artística como de su diseño e impresión.
En sus últimos números de 1917, Stieglitz publicó algunos trabajos que se apartaban de la línea pictorialista, entre los que se destacan los de Paul Strand, precursor de los movimientos de Fotografía directa de los años 1930 en Estados Unidos. La inclusión de Strand representaba la ruptura con los temas y procedimientos del Pictorialismo, en especial con la manipulación del positivo practicada por los artistas de este movimiento, a la que Strand oponía la objetividad fotográfica y el reconocimiento del valor estético de los objetos cotidianos. Este giro en el interés de Stieglitz alejó a los suscriptores habituales de Camera Work, conduciendo al cierre de la publicación en 1917. Alfred Stieglitz se cuenta entre uno de los cinco artistas más influyentes del Siglo pasado
En este capitulo del blog, me gustaría centrarme en la fotografía documental; en la sucesión de imágenes que van retratando la cultura y tradiciones de un pueblo a lo largo de su historia. Algunas de ellas perduran en el tiempo y van cambiando poco a poco y otras en cambio permanecen como si el paso de los años no les afectara en absoluto.
Cruceros de Roncesvalles – Ortiz-Echague(1945)
En España tenemos referentes de fotógrafos que han sabido plasmar las fiestas y el folclore de este pais. Entre los mas destacados podríamos incluir a José Ortiz Echagüe que fue un ingeniero militar, piloto y fotógrafo español. Todo un pionero para la época y fundador de la Seat, y en su afición a la fotografía interpreto como nadie las costumbres de los pueblos de Navarra, donde le esperaban ansiosos para poder ser retratados a cambio de la foto. Les hacia vestirse con trajes de épocas pasadas y desempolvarlos del baúl. Llego a exponer sus fotografías en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, bajo el título Spectacular Spain, acompañando con sus obras a los cuadros de Goya.
Procesión del Santo Cristo, Bercianos de Aliste. Cristina Garcia Rodero-1975.
Otro de estos fotografos es Cristina García Rodero, nacida en Puertollano en 1949, es un referente en este campo documental.
Ha compatibilizado su tarea docente en la Facultad de Bellas artes de Madrid con la creación fotográfica y la colaboración en diversas publicaciones y periódicos españoles y extranjeros.Ha sido la primera española que ha entrado a trabajar con la agencia foto-periodística Magnum.
Sus primeras obras aparecen en los concursos universitarios a finales de los años sesenta. En 1973 se plantea la tarea de fotografiar costumbres y fiestas por toda España para lo que recibe una beca. Posteriormente ha realizado reportajes sobre tradiciones en diferentes países.
Su obra fotográfica se podría enmarcar en el reportaje, aunque desde un punto de vista muy personal.
Mi aporte
Sin duda alguna, existen grandes fiestas populares en este país, pero si una de ellas me atrae poderosamente la atención esta es la fiesta de los toros en la calle (bous al carrer); y en especial la del 7 de septiembre en Puzol (Valencia).
Si hay algo de tradicional, popular y que define claramente la cultura de un pueblo, el toro en Puzol es sin duda la mas destacada y sobre todo la del día del 7 de septiembre. Solera de un pueblo, cultura del toro.
Henri Cartier-Bresson, «Behind the Gare Saint-Lazare,» 1932
Hola. Si has llegado hasta aquí, aunque sea de casualidad. GRACIAS.
Siempre me hizo verdadera ilusión poder transmitir para todos aquellas imágenes y autores que captaron mi atención y fueron formando una crónica de los siglos XIX y XX.
Espero que estos momentos gráficos sirvan para ayudar a conocer a esos grandes clásicos de la fotografía .
Y como decia Henri Cartier-Bresson. (22 de agosto de 1908-3 de agosto de 2004) que fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del foto-reportaje)
“Tus primeras 10.000 fotografías serán tus peores fotografías.”
Mi afición a la fotografía me ha hecho decidirme por ir colgando aquí las fotos de ese instante de la vida que a veces nos gusta detener (El instante decisivo- Bresson). La mayoría de las imágenes que vamos obteniendo a lo largo del tiempo nos van diciendo que es lo que somos y ademas son un reflejo de nuestra sociedad. Pero muchas de ellas también nos dejan una reflexión.
Algunas de estas imágenes son valoradas al cabo de los años como una lectura del paso de la historia, nos hacen ver como fueron los pueblos y ciudades, sus tradiciones y sus gentes. Desde la miseria a la ostentación mas absoluta. Valga pues este blog para retratar este tiempo y sus imperfecciones.
Si te gusta el blog puedes seguirme y comentar tantas cosas como desees. Gracias.
“¿Cuál de mis fotos es mi fotografía preferida? Una que voy a hacer mañana.”Imogen Cunningham.(fotógrafa nacida el 12 de abril de 1883 en Portland, Oregón y fallecida el 24 de 1976 de junio en San Francisco.)
V.Almodóvar 